XXH

Also sprach Allah, “Ainsi parla Allah”, cette phrase notée sur un petit sac en papier kraft est une référence au poème de Nietzsche (« Alo Sprach Zaeathushtra ») retraçant la vie d’un surhomme qui dépasse sa peur. En faisant référence aux violences et aux soumissions religieuses, Adel Abdessemed tend à montrer que l’homme est tout à fait capable de surmonter ces pressions et les enfermer à tout jamais dans ce sac.

Provenance : Dvir Gallery (Bruxelles / Tel Aviv). Acquisition en 2009.

Sphère II se composent de deux anneaux de fils barbelés, l’un de la taille d’Adel Abdessemed, l’autre de celle de sa compagne. Ces lames très esthétiques sont également le symbole de la défense d’un territoire, celui du globe terrestre comme celui plus intime du couple. L’artiste dénonce la défense d’un territoire au prix de la mise en danger du corps.

Provenance : Phillips Londres. Acquisition en 2013.

Time and a word est le portrait d’un homme pris au piège derrière un masque. La violence de l’enfermement se traduit par le sang, symbole de l’identité opprimée.

Chaque individu photographié par Diane Arbus révèle un aspect essentiel de sa personnalité et dégage un charisme ou une émotion parfois troublante. Dans une maison ordinaire du Bronx, l’artiste immortalise une famille singulière : le géant Eddie Carmel aux côtés de ses parents.

Provenance : Acquise auprès de la maison de vente Phillips New York, en 2011.
Tirage posthume provenant de A Box of Ten Photographs.

Diane Arbus illustre les tensions entre l’individu et le collectif dans sa célèbre photographie Child with a toy hand grenade in Central Park, N. Y.C., 1962. Cette image capte un moment de vie quotidienne, la crispation d’un enfant qui tient dans sa main droite un jouet en forme de grenade. L’image, à première vue anodine, prend rapidement un sens plus large. Ce portrait est souvent interprété comme un reflet des tensions politiques aux États-Unis, notamment de son rôle dans les conflits armés des années 1960 et 1970, devenant un symbole des fractures sociales et de l’agitation de cette époque¹. Sur la planche-contact, on découvre que la session complète avec le jeune garçon s’étend sur onze prises de vues, celle choisie par l’artiste étant la huitième de la série. Comme l’analyse avec justesse Deborah Nelson², l’enfant pose d’abord timidement, puis il commence à sourire et à interagir avec la photographe. Progressivement, il éprouve une exaspération, sans doute liée à la longueur de l’expérience, que la huitième prise de vue cristallise. C’est au cœur de son interaction avec Diane Arbus que l’enfant exprime cet état de crispation, peinant à maintenir son calme.

¹ Cette photographie a souvent été rapprochée du contexte de la guerre du Vietnam par des critiques, indépendamment d’une intention déclarée de l’artiste. Voir Metropolitan Museum of Art, notice en ligne de l’œuvre Child with a toy hand grenade in Central Park, N.Y.C., 1962.

² Deborah Nelson, “Diane Arbus: A Feeling for the Camera”, dans Tough Enough: Arbus, Arendt, Didion, McCarthy, Sontag, Weil, Chicago, University of Chicago Press, 2017, pp. 121-142.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 64-65.

Provenance : Buhl Collection. Acquise auprès de la maison de vente Sotheby’s New York, en 2011.

Provenance : Acquise auprès de la maison de vente Bonhams & Butterfields New York, en 2010.

Entre 1969 et 1973, Richard Avedon réalise des portraits de son père, Jacob Israel Avedon. Les photographies saisissantes de cet homme rongé par un cancer, dans les dernières années de sa vie, résonnent comme un memento mori. Sur le visage de son père, l’émotion saisie devient l’émotion de tout un peuple face à la fragilité de l’être.

Provenance : Christie’s Paris. Acquisition en 2010.

Extraite de la série Asylum, Carlos nous dévoile une figure décharnée, exsangue, au regard livide dans une posture étrange, comme possédée ou dans une dernière danse avec la mort. Le cadre resserré accentue l’angoisse, une sensation de claustrophobie recherchée par Roger Ballen. Le spectateur est pris au piège, obligé de regarder en face ce qu’il pourrait désirer oublier.

Le portrait de Tony Bevan peut être perçu comme la vision du fanatique qui se réfugie dans la religion, se laissant porter, abandonnant réflexion et questionnement jusqu’à en perdre la raison. Il se retrouve alors presque déshumanisé, coupé et posé tel un trophée de chasse.

Comme momifiée, le portrait de Tony Bevan est encerclé par les bandages. Mais malgré ses blessures, les yeux sont vivants, le regard perce. En guérissant ses souffrances, la tête ronde reprend forme humaine peu à peu.

L’œuvre de Tony Bevan semble absorbée dans un univers sombre, elle porte sur elle les cicatrices de temps difficiles. Le portrait n’est presque plus celui d’un homme, seules les scarifications restent apparentes. Les marques de la guerre ont envahi son visage, comme un prisonnier marqué par les barbelés.

Blue Messerschmidt marque la force de l’intellect, la puissance de la raison en faisant apparaître sur ce portrait l’architecture de la pensée. Le fond bleu symbolise la présence pleine et entière de cet homme dans la vie, renforcée par son sourire indéfectible.

Provenance : Van Zoetendaal. Acquisition en 2008.

Asylum joue avec la perception du spectateur croyant découvrir un espace réel, alors confiné et dédié à l’isolement. La lumière proche de celle que l’on retrouve dans les églises est transversale et renforcée par l’obscurité des pièces qui prêtent à l’isolement et à la prière. Cette œuvre créée l’illusion de la boîte, liée à la maquette mais aussi à cet espace limité, une sorte de prison, ou de refuge, un lieu fait d’ombres et de lumières, incitant à la méditation.

L’espace imaginé par James Casebere est empli de mélancolie, baigné d’une douce lumière transversale. L’alcôve évoque la protection, le cocon. C’est un espace apaisé nécessaire à l’individu, mais également au couple, un nid pour s’isoler, faire abstraction du reste du monde et construire sa propre histoire. L’œuvre marque la transition entre l’engagement individuel et celui du couple.

Provenance : Sotheby’s Paris. Acquisition en 2012.

Avec Wheels of the Bus Go Round and Round…, les frères Chapman donnent à voir une scène d’horreur : un charnier où les corps s’entassent et s’entrelacent, composant un paysage de guerre écrasé par une roue faite de chair. Les figurines, figées dans des gestes cycliques et grotesques, deviennent les rouages d’une machine sociale aliénante. Ce diorama dramatique mêle répulsion, violence et absurdité, offrant un regard profondément cynique sur l’inhumanité de la guerre.

Provenance : Acquise auprès de la galerie White Cube, Londres, en 2012.

Dans Heaven is a place on Earth, Jacob Dahlgren poursuit les réflexions des minimalistes autour du rapport corps/objet. À travers l’emploi d’un produit manufacturé IKEA, c’est-à-dire dépourvu de toute sacralisation artistique, l’artiste fait clairement appel à la participation du spectateur en l’invitant à monter sur l’installation de pèse-personnes ; spectateur et objet ne faisant plus qu’un. L’œuvre est une méditation non dénuée d’ironie sur la masse en tant que poids, mais aussi sur la société obsédée par cette masse et sur le volume et la disparition.

Provenance : Galerie Andrehn Schiptjenko (Stockholm / Paris). Acquisition en 2008.

Les chinese offspring figurent parmi ses œuvres les plus célèbres. Ces sculptures de résine, au nombre de 100, sont des portraits à taille humaine d’immigrants chinois travaillant dans le bâtiment, souvent accrochées à l’envers par les pieds, afin d’insister sur leur vulnérabilité et leur impuissance à contrer le destin. Zhang Dali rend hommage à ces héros invisibles de l’expansion chinoise urbaine « postcommuniste ». Comme dans toute société de contrôle, ces sculptures sont indexées : tatouées d’un chiffre, du titre du projet et de la signature de l’artiste.

Provenance : Chinese Contemporary. Acquisition en 2006.

Provenance : Galerie Praz/Delavallade. Acquisition en 2010.

Provenance : De Vuyst. Acquisition en 2012.

Provenance : Winkleman Gallery (New York). Acquisition en 2009.

Provenance : Larmgalleri (Copenhague). Acquisition en 2009.

Nan Goldin recherche la beauté dans la vérité des sentiments, même les plus extrêmes. De cet instant immortalisé, trivial, elle pousse le regardeur à questionner l’œuvre, à se positionner et à s’identifier. Le sentiment d’intrusion qui se dégage à la vue de cette image ainsi que la sensation d’abandon et de solitude troublent l’évidente perception de l’œuvre. À travers elle, elle interroge la relation qui existe entre la vérité et la simulation, entre histoire individuelle et commune.

Provenance: Philips New York. Acquisition en 2008.

Face à un univers fantasmé où les femmes règnent en maîtresses, Nan Goldin reste ancrée dans la réalité avec une autre forme de prostitution, plus raffinée, mais qui, sous un aspect plus chaleureux, apporte la même destruction. Ici le don est synonyme de perdition et malgré l’apparente beauté du moment, on ressent l’isolement de chaque protagoniste. Cette vision illustre l’isolement des relations sexuelles d’aujourd’hui, où dans la recherche d’une rencontre c’est à sa propre solitude que l’on se confronte.

Provenance : Phillips New York. Acquisition en 2008.

Provenance : Sotheby’s New York. Acquisition en 2012.

Provenance : McCaig-Welles Gallery. Acquisition en 2009.

Provenance : McCaig-Welles Gallery. Acquisition en 2009.

Provenance : McCaig-Welles Gallery. Acquisition en 2009.

Provenance : Galerie Daniel Templon. Acquisition en 2012.

Provenance : Galerie Daniel Templon. Acquisition en 2010.

Provenance : Christie’s Amsterdam (Property of the Scheringa Museum of Realist Art). Acquisition en 2012.

Migrant Mother, icône du photo-journalisme, évoque aujourd’hui à elle seule l’histoire des paysans américains durant la Grande Dépression. Prise en mars 1936, alors que Dorothea Lange était engagée par la Farm Security Administration afin d’obtenir le soutien des sphères politiques et financières, la photographie est encensée. Tandis que la crise sévit de plein fouet dans le milieu rural, des familles entières sont contraintes de migrer à la recherche de travail. Florence Owens Thompson, 32 ans, attendait le retour de son mari et de son fils, sur le bord de la route.

Provenance : Bonhams & Butterfields New York. Acquisition en 2012.

En 2005, Micah Lexier débute une série intitulée Revelation regroupant des sculptures en acier de petits formats qui représentent des séries de chiffres ou des phrases. “I can be wrong” symbolise le combat individuel et la capacité de l’Homme à apprendre de ses erreurs, la possibilité de recommencer, de réessayer. Dans le doute et l’incertitude, dans le désespoir, cette œuvre rappelle l’avenir qui reste à écrire.

Provenance : Birch Libralato (Toronto). Acquisition en 2008.

La violence du trait, la noirceur de la représentation et l’emploi de sang donnent aux œuvres de Michaël Matthys un aspect dramatique et poignant. À des lieux meurtris, isolés, tristes, il insuffle une vie par ce sang qui continue de couler, qui marque le battement du cœur. Crucifix représente en six vignettes le souvenir, la vieillesse, la solitude mais l’œuvre transmet avant tout un message d’espoir, une force face à la fatalité.

Provenance : Galerie Jacques Cérami. Acquisition en 2010.

Orgasm renvoie directement à cette double dimension charnelle et sexuelle, l’épuisement du corps, le relâchement. L’atmosphère floue et la fumée sont une sorte de pont vers une dimension supérieure à travers l’orgasme. L’œuvre résonne comme un songe extatique de la jouissance corporelle qui précède la petite mort.

Provenance : Team Gallery. Acquisition en 2011.

Avec Matt K, l’artiste célèbre la forme humaine, en regroupant sur ces photographies en noir et blanc les images de la diversité, les portraits de la vie.

Provenance : Team Gallery. Acquisition en 2011.

L’influence du ready made est très présente dans les œuvres de Mathieu Mercier. Pour 100 cars on Karl Marx Allée, l’artiste photographie un élément du quotidien et fait d’une carrosserie de voiture un paysage. Il rompt avec la représentation picturale traditionnelle, bouscule les perceptions d’échelles et expose dans un format immense ce ciel ensoleillé. Une œuvre comme une invitation à regarder toujours avec attention, à ne jamais être indifférent, à (re)questionner la réalité. Une œuvre comme une envolée finale.

Malgré ses thèmes douloureux, Sofie Muller nous offre à voir une belle sculpture, maîtrisée, pure, linéaire, et sensuelle, en opposition à leur signification. Une sculpture subversive en somme dans laquelle esthétique et éthique ne sont pas forcément unies. De ses œuvres, l’artiste dévoile une émotion particulière qui nous submerge lorsque nous sommes face à elles. La sculpture combine à la fois la mélancolie, le doute, et une violence humaine exprimée par ce désir de changement d’état alors qu’ils se trouvent dans un espace limité et distancié mettant mal à l’aise le spectateur intrusif. L’artiste élabore un savant mélange entre une étude fine du corps humain et une étude socio-psychologique de notre société actuelle.

Provenance : Geukens & De Vil. Acquisition en 2007.

Cette peinture sans titre met au centre de la composition une tête sur fond de décor rationnel. S’en dégage une étrangeté qui réside dans l’absence de regard, dans les traits indistincts et dans la forme plastique simplifiée. Cette figure anonyme semble abriter un sentiment de vacuité tout en s’extirpant de l’obscurité des tons noirs dominants. Comme enfermée dans ce damier, nous tentons de résoudre cette énigme visuelle.

Provenance: Galerie Vidal-Saint Phalle (Paris). Acquisition en 2007.

« Après le bruit et la provocation, j’aspire au silence, à ramasser l’émotion dans une image étroite. C’est ce que je tente de faire par exemple, dans ma série « The keyhole » (trou de serrure), avec ces personnages qui nous offrent seulement leur nuque. Si je ne parle pas forcément de ma solitude, j’essaie de capter celle des autres. »

Provenance : Galerie Rabouan Moussion. Acquisition en 2012.

Une œuvre à la fois touchante et tragique où ce qui pourrait être l’acte ultime de destruction devient le seul moyen de résister. Cette vision d’horreur est aussi une vision de survie, un lieu de résistance, de complot. Dans cet ultime recoin de l’univers, la frontière s’efface entre humanité et animalité.

Triptyque

Présenté à la biennale de Venise en 2007, “Hors de qui je suis” martèle inlassablement sa tête contre le mur. Toute rationalité conservée, la mécanique n’altère pas le malaise qui peut se dégager d’une forme humaine sombre se cognant la tête. Au contraire, la répétition renforce l’évocation de la folie, hors de tout contrôle.

Provenance : Riff Art Projects (Paris / Istanbul). Acquisition en 2008.

Annonçant dans une église l’heure d’embarquement pour le paradis ou la fermeture du ciel sur une pancarte, faisant battre le cœur d’une femme dans une gazinière, Werner Reiterer bouscule le spectateur, l’invite à rentrer dans un univers absurde où tous les codes sont détournés. Le visiteur est souvent acteur de l’œuvre mais il est surtout toujours invité à la réflexion, à réinterroger les conceptions préétablies. L’art de Werner Reiterer est un équilibre parfait entre cynisme et comique.

Provenance : Galerie LoevenBruck. Acquisition en 2008.

Jean Rustin joue avec ses personnages, les associant à des titres emprunts d’humour. Encore une sale journée illustre l’envie refoulée. Une envie synonyme de vie, tant que notre cœur bat elle est présente, sous-jacente, même si la communication est parfois absente. Le couple nous regarde fixement, se questionne et malgré l’absence de mots nous interroge directement.

Provenance : De Vuyst. Acquisition en 2012.

Provenance : Christie’s Amsterdam (Property of the Scheringa Museum of Realist Art). Acquisition en 2012.

Sur l’œuvre Apoteosi del vago, Nicola Samorí retire entièrement le voile de Sainte Véronique et lui confisque la parole en masquant le bas de son visage. L’artiste fait ressurgir la noirceur profonde et inquiétante de ces personnages qu’il juge trop lisses. Il offre également la possibilité de réinventer, de construire une nouvelle histoire, d’effacer le passé pour laisser place à l’avenir.

Provenance : Larmgalleri. Acquisition en 2012.

Provenance : Galerie Zürcher. Acquisition en 2005.

Markus Schinwald a longtemps travaillé dans la mode, il nous montre ainsi son “savoir faire” dans l’habillage des corps. Les portraits qu’il réalise ressemblent à ces portraits d’aïeuls, poussiéreux et étranges qui ornent les vieilles demeures familiales à l’abandon. Il ajoute à ces visages fermés un habillage mécanique qui vient mettre en exergue le manque d’expression, qui révèle l’absence d’émotion. Dans Castor, l’objet de torture devient une continuité logique au portrait traditionnel, comme un cri du sujet exprimant la parole qu’on lui a confisqué.

Provenance : Farsetti Arte. Acquisition en 2008.

The Other Christ s’inscrit au sein de la série The interpretation of dreams. Il invite à chercher la lumière et l’espoir dans la noirceur, la force dans la différence en remettant en question la transmission des principes religieux. L’artiste pose la question de l’identité du Christ, dans une approche très narcissique où l’œuvre devient quasiment un autoportrait.

Plus que des vues ce sont des ambiances, des textures, des idées que Jeffrey Silverthorne photographie. Avec Paul, il symbolise l’affirmation d’une contre-culture, le courage d’une jeunesse qui ne trouve pas sa place dans la société. L’artiste donne un visage à une génération oubliée.

Provenance : Galerie Vu. Acquisition en 2011.

La notion de transgression est récurrente dans le travail de Jeffrey Silverthorne. C’est cette notion d’interdits, de jeu, de dépassement de soi aussi bien psychologiquement que physiquement, que l’on retrouve avec Demented Billy. En représentant cet ange torturé, perdu entre innocence, virilité et ridicule, l’artiste fait la démonstration d’une détresse avec beaucoup de dérision. Chaque série photographique est une expérience pour celui qui s’y confronte.

Provenance : Galerie Vu. Acquisition en 2010.

Provenance : SAS Cornette de Saint Cyr. Acquisition en 2007.

Avec Eat, shit and die, Dash Snow associe argent, drogue, politique, terrorisme et convoque sur une même scène les plus grands interdits. L’artiste réunit les abus et les dérives de la religion, du pouvoir, de la société, de la perdition, questionnant tous les extrêmes qui composent l’humanité. Il nous invite dans un cycle infernal qu’il devient impossible de rompre.

En créant des assiettes creuses sans nourriture mais décorées de femmes anorexiques, Michaela Spiegel sait nous émouvoir sur ces images devenues références. Le poids de la Société est bien présent dans ses corps décharnés, ses cotes creusées, ses formes allégées. On nous fait croire que c’est de l’esthétique ; c’est juste un totalitarisme formel comme à chaque fois que l’on érige le beau comme seule quête. Avec le titre anno rex ie, qui signifie l’année du roi, l’artiste évoque également le poids de la société machiste dans la construction de la femme.

Provenance : School Gallery Paris. Acquisition en 2008.

Mircea Suciu peint mais surtout dessine au fusain de très grands formats en clair-obscur noir, gris et blanc qui apportent encore plus d’intensité dramatique. Factory illustre la sélection effectuée par les nazis. À l’intérieur des camps de concentration, les déportés, choisis arbitrairement, passent nus devant les soldats assistés d’un médecin. Selon leur état physique, ils sont renvoyés au travail ou exécutés.

Provenance : Aeroplastics Contemporary. Acquisition en 2012.

Dans de grands mouvements de foules et de rassemblements, Mircea Suciu dépeint ses personnages de manière très réaliste, parlant même de ‘réalisme psychologique’ tant l’histoire qui s’en dégage paraît proche de nous. Avec Milagro, l’artiste illustre le miracle à travers ces trois enfants. Après les traumatismes, malgré la souffrance, l’espoir reste envisageable et on le retrouve dans cette lumière qui illumine le visage de la petite fille et sa main tendue vers l’avenir.

Provenance : Aeroplastics Contemporary. Acquisition en 2012.

Pour Currency, elle travaille chaque jour sur son projet, un dessin comme rituel quotidien où elle transmet, dans un aspect quasi documentaire, un témoignage sur son temps. Le mois de février marque l’espoir d’un peuple, une volonté de liberté défendue dans la violence et le sang.

Provenance : Mixed Greens. Acquisition en 2011.

Au cœur de ses œuvres, Rinus Van de Velde va placer des personnalités marginales qui vont devenir pour lui une sorte d’alter ego. En 2010, il réalise une série mettant en scène son amitié avec l’écrivain russe Vladimir Maïakovski. Se basant sur la véritable histoire de ce poète qui vécu de 1893 à 1930, il va imaginer l’autopsie succédant à son suicide et la découverte du poids exceptionnel de son cerveau, 1.700 g alors que le poids moyen est de 1.400g. A travers cette amitié imaginaire, en représentant avec beaucoup de finesse le cerveau et le visage de Maïakovski, Rinus Van de Velde rend un véritable hommage au poète.

Provenance : Galerie Zinc. Acquisition en 2010.

Robert Mapplethorpe fait preuve d’une incroyable maîtrise technique et formelle dans tous les sujets qu’il aborde. Il saisit le corps dans toute sa finesse et sa pureté, le révélant sous son objectif, faisant de la lumière une caresse sur chaque ligne qui se dessine. La main tendue de Lucinda résonne comme un appel au secours, comme le geste ultime de survie. La main est forte mais perdue dans le vide obscur. La photographie immortalise la lutte de l’Homme contre le désespoir.