Souffle à l’Espace Saint-Pierre

La spoliation des oeuvres d’art par les nazis sous l’Occupation est au coeur de ce travail. Constitué d’un portrait peint à l’huile et de cadres savamment retournés et de différentes tailles, ces tableaux créent l’absence et dénoncent l’horreur de ce pan de l’Histoire. Raphaël Denis s’intéresse de près au marché de l’art et aux collectionneurs, La loi normale des erreurs évoque ainsi le rapport à l’objet “oeuvre” ainsi que sa valeur pécuniaire, sentimentale ou intellectuelle. En retournant ces cadres, dont les dimensions rappellent réellement celles d’oeuvres spoliées, l’artiste inscrit le numéro d’inventaire apposé par l’administration nazie en charge du dépouillement et correspondant à l’oeuvre en question. Ce numéro fait apparaitre l’absence de l’oeuvre et se substitue à elle. Au dos, l’artiste a néanmoins collé la notice de l’oeuvre avec sa photographie et ses informations techniques. Enfin, l’installation de l’oeuvre n’est pas anodine, elle rappelle les zones de stockage où étaient accumulées les oeuvres en attente de destruction ou de récupération par de hauts dignitaires nazis, lorsque celles-ci n’étaient pas estampillées “art dégénéré”. Le portrait de l’anonyme trônant au-dessus de cette ligne de tableaux pourrait tout aussi bien être celui d’un collectionneur ou d’une personnalité politique de cette période, ou bien encore ” le témoin muet, voire, la conscience universelle”, une définition proposée par Daniel Bosser, collectionneur français.

La sculpture de l’artiste gantoise Berlinde de Bruyckere rappelle la peau, la chair. Habillée de bois et de tissus, sa fragilité se traduit aussi par la protection de sa cloche de verre, permettant au regardeur d’expérimenter de près comme de loin l’œuvre, sans franchir les limites de ce territoire tout en chair. Son aspect singulier apporte son lot de sensations : dégoût, curiosité, attirance, multiples questionnements sur sa signification. L’artiste réalise un fragment réunissant en son sein à la fois les notions de souffrance et de plaisir, dualité inhérente à la condition humaine. Elle s’inspire également de la passion du christ (thème récurrent dans son travail) ce qui explique la présence du bois rappelant la crucifixion. Le tissu et le fil s’entremêlent pour protéger et réparer ce qui est encore possible de sauver. Elle s’inspire également de l’œuvre de Lucas Cranach l’Ancien et sa vision des plaisirs de la chair, ainsi que celle du cinéaste italien très controversé, Pasolini.

Provenance : Galerie Forêt Verte (Paris). Acquisition en 2006.

Avec Sans titre (L’arbre et son ombre), ce châtaignier mort reprend vie par la magie de son ombre traversant toutes les saisons.

Provenance : Acquise auprès de la galerie Krinzinger, Innsbruck, en 2015.

Mircea Suciu peint mais surtout dessine au fusain de très grands formats en clair-obscur noir, gris et blanc qui apportent encore plus d’intensité dramatique. Factory illustre la sélection effectuée par les nazis. À l’intérieur des camps de concentration, les déportés, choisis arbitrairement, passent nus devant les soldats assistés d’un médecin. Selon leur état physique, ils sont renvoyés au travail ou exécutés.

Provenance : Aeroplastics Contemporary. Acquisition en 2012.

Provenance : Acquise auprès de la Galleria Continua, Paris, en 2013.

Sur l’œuvre Apoteosi del vago, Nicola Samorí retire entièrement le voile de Sainte Véronique et lui confisque la parole en masquant le bas de son visage. L’artiste fait ressurgir la noirceur profonde et inquiétante de ces personnages qu’il juge trop lisses. Il offre également la possibilité de réinventer, de construire une nouvelle histoire, d’effacer le passé pour laisser place à l’avenir.

Provenance : Larmgalleri. Acquisition en 2012.

Provenance : Acquise auprès de la galerie Krinzinger, Innsbruck, en 2013.

Provenance : Acquise auprès de la galerie Krinzinger, Innsbruck, en 2015.

Cette vidéo est la dernière d’une série de trois, elle relate le récit d’un homme enveloppé par la culpabilité, luttant pour faire face à son passé. Meiro Koizumi a travaillé de concert avec un véritable pilote Kamikaze, Mr Tadamasa Itazu. En 1945, celui-ci est volontaire pour devenir Kamikaze et défendre Okinawa. Il forge durant sa formation une amitié sans faille avec Mr Ashida. Au cours d’une mission, sur son trajet pour attaquer un navire américain, son avion rencontre un problème moteur et s’écrase sur l’île. Il survit à cette mission qui devait l’envoyer vers une mort certaine. Pour les pilotes Kamikaze survivre à une mission est un échec, mourir est un honneur ultime. Depuis ce jour, il vit avec un grand sentiment de culpabilité envers ses pairs morts avec succès dans la même mission, et en particulier Mr Ashida.

Dans l’œuvre Tiroir (1988), l’artiste associe un tiroir rempli d’habits avec une photographie floue, un portrait juvénile très serré, surmonté et éclairé par une simple lampe. Cette installation évoque un autel ou un monument commémoratif qui rendrait hommage à une personne proche disparue et incarnant, par sa mise en scène, une représentation sacrée de l’être humain. Comme le souligne l’historienne de l’art Catherine Grenier, la pratique de Christian Boltanski est “obsédé[e] par l’idée de la perte et de la disparition¹“ ; le corps ne peut s’y manifester pleinement, l’artiste préférant souligner son absence.

¹ Catherine Grenier, Boltanski, Paris, Flammarion, 2011, p. 12.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris,
2026, pp. 140-141.

Provenance : Acquise auprès de la maison de vente Christie’s Paris, en 2014.

Avec Wheels of the Bus Go Round and Round…, les frères Chapman donnent à voir une scène d’horreur : un charnier où les corps s’entassent et s’entrelacent, composant un paysage de guerre écrasé par une roue faite de chair. Les figurines, figées dans des gestes cycliques et grotesques, deviennent les rouages d’une machine sociale aliénante. Ce diorama dramatique mêle répulsion, violence et absurdité, offrant un regard profondément cynique sur l’inhumanité de la guerre.

Provenance : Acquise auprès de la galerie White Cube, Londres, en 2012.

Dans la série On crève ici, l’œuvre dévoile une trace, une mémoire et des aspérités qu’on aimerait cacher sous un masque.

Provenance : directe de l’artiste. Acquisition en 2008.

Une œuvre à la fois touchante et tragique où ce qui pourrait être l’acte ultime de destruction devient le seul moyen de résister. Cette vision d’horreur est aussi une vision de survie, un lieu de résistance, de complot. Dans cet ultime recoin de l’univers, la frontière s’efface entre humanité et animalité.

Triptyque

Tout comme l’uniforme, le masque chez Aimé Mpane Enkobo annihile toute expression personnelle, on ne montre pas qui on est, on joue à être un autre. Le masque est visible dans l’œuvre Le cri, en double, d’un côté le masque, et d’un côté le visage mis à nu.

Avec son tableau Portrait of woman with wounded blue eye (2011), toile du XIXe siècle sur laquelle il intervient par l’ajout d’un hématome autour de l’œil gauche de la jeune femme, Hans-Peter Feldmann détourne la candeur en brutalité, le banal en insupportable. Par son intervention picturale, l’artiste déplace et réactive l’œuvre d’origine, transformant totalement notre lecture du portrait. Cette blessure physique dramatise l’image tout en laissant planer un mystère sur le sens et la portée de cette violence.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 88-89.

Provenance : Acquise auprès de Galerie Micheline Szwajcer, en 2011.