XXH – Exposition anniversaire

José Manuel Egea recouvre intégralement de stylo-bille le visage d’un jeune homme, une photographie certainement tirée d’un magazine. Il efface les traits de son visage pour figurer l’apparition d’une énergie envahissante et destructrice, un mutant qui prendrait la place du sujet initial. Le travail de José Manuel Egea révèle une forme de monstruosité, une animalité célébrée.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 108-109.

Provenance :Acquise auprès de la galerie christian berst art brut, Paris, 2024.

Provenance : Acquise auprès de la galerie christian berst art brut, Paris, en 2024.

Réalisé en 1934, Obrero en huelga asesinado (Ouvrier en grève assassiné) documente la répression de la révolte d’un ouvrier dans une raffinerie de sucre. Alors qu’il est à Tehuantepec pour un tournage, Manuel Álvarez Bravo entend ce qu’il pense être des feux d’artifice, mais découvre à la place le corps gisant d’un ouvrier en grève. Le cadrage choisi par le photographe isole le corps de son contexte ; seul le titre nous resitue le cadre de ce drame. L’ouvrier, sans nom, n’est présenté ni comme une victime ni comme un héros, mais plutôt tel le sacrifice d’une lutte sociétale. Manuel Álvarez Bravo introduit une distance critique, motivée sans doute par un impératif moral, face à la violence de la scène. Le photographe s’efface derrière l’image, et la laisse exercer pleinement sa puissance sur nous.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 154-155.

Provenance : Acquise auprès de la maison de vente Grisebach, Berlin, en 2009.

Alpha Beta (2009) est une installation de 28 couteaux en acier doux polis aimantés sur le mur qui inscrivent ensemble l’alphabet arabe. Comme le souligne Storm Janse van Rensburg, Kader Attia joue sur les différentes perceptions et symboliques du couteau, perçu à la fois comme symbole de pureté et de paix, dans la culture orientale, de non-violence et de défense dans la culture sikhe, par exemple, tout en étant associé, dans le contexte européen, au pouvoir, à l’autorité, la violence, et in fine à la criminalité, en particulier à l’époque contemporaine¹.

Les lectures que nous pouvons faire de l’œuvre, de l’association du couteau à l’alphabet arabe, sont intimement liées à notre perception même de l’objet et à notre imaginaire collectif.

¹ Storm Janse van Rensburg, “Kader Attia-Alpha Beta“, 2009, sur le site internet de Kader Attia.

 Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 130-131.

Provenance : Acquise auprès de la Goodman Gallery, Johannesburg, en 2009.

Dans sa série Chinese Offspring, Zhang Dali confronte le spectateur à la réalité méconnue des travailleurs migrants ruraux chinois. Après s’être intéressé à la transformation du paysage urbain et à la modernisation accélérée des villes chinoises — notamment à travers Dialogue et Demolition, où 2 000 têtes de profil sont tracées à la bombe noire sur les murs de quartiers voués à disparaître — l’artiste se tourne vers la population et vers les répercussions des politiques menées sur les conditions de vie des travailleurs exploités au cœur de l’économie nationale. Les sculptures de la série Chinese Offspring, moulées directement sur les corps nus de ces migrants, mettent en lumière la vulnérabilité économique, sociale et politique d’une classe marginalisée. Suspendus par les pieds, ces corps nus exposent la précarité de leur condition et la brutalité de leur exploitation, réduits à leur seule force productive.

Photo : Frédéric Iovino

Provenance : Acquise auprès de la Galerie Chinese Contemporary, en 2006.

Cet autoportrait moulé de l’artiste Robert Gligorov, exhibé sur les fourches d’un chariot élévateur, a été réalisé dans le contexte du maxi-procès Eternit en Italie, l’une des plus grandes affaires judiciaires liées à l’amiante. L’entreprise Eternit, spécialisée dans la production de matériaux de construction, était poursuivie pour sa responsabilité dans la mort de milliers de personnes : ouvriers, membres de leurs familles et autres personnes ayant été en contact direct avec l’amiante. L’œuvre de Robert Gligorov, réalisée avant le début des procès en 2009, dénonce la déviance et la violence d’un système capitaliste perverti qui a préféré taire les dangers environnementaux et sanitaires de l’amiante pour continuer d’engranger des profits en toute impunité.

[…]

Pour donner forme à sa critique, Robert Gligorov réinterprète l’iconographie de la Déposition du Christ : la figure de la Vierge est remplacée par un chariot élévateur, symbole de l’industrie, et celle du Christ par un homme nu – l’artiste lui-même – incarnant la souffrance des victimes de l’amiante.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 120-121.

Provenance : Acquise auprès de B&D studio contemporanea, Milan, en 2008.

Dormeuse est un récamier moderne, constitué de plaques d’acier façonnées que l’on a l’habitude de trouver dans les rues, à travers notamment les plaques d’égouts. Il symbolise dans sa forme la féminité, le repos et le luxe mais sa composition, faite d’acier, contraste vigoureusement avec ces éléments. Ce matériaux, attribut industriel et confronté aux matières les plus primaires et les plus triviales de la rue, renverse les codes habituels.

Provenance: Christie’s Londres. Acquisition en 2013.

Provenance : Galerie Forêt Verte (Paris). Acquisition en 2006.

Dans Fil de fer / Fond bleu (1973), le peintre Peter Klasen décontextualise et déplace un fragment de réel – un barbelé – pour souligner et, de ce fait, neutraliser sa dangerosité. L’artiste questionne les ambiguïtés du progrès et de la modernisation des villes qui, en quête permanente de confort et de protection, érigent des structures défensives, des systèmes de contrôle et de sécurité qui menacent paradoxalement les libertés individuelles.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 164-165.

Provenance : Acquise auprès de la maison de vente Cornette de Saint Cyr, en 2015.

Habitat est une réplique en bronze peint d’un sac de couchage qui fait référence au Painted Bronze (1960) de Jasper Johns, sculpture célèbre du Pop Art constituée de deux canettes de bière en bronze.

Provenance : Sotheby’s Londres. Acquisition en 2010.

© Sebastiano Pellion di Persano

Provenance : 2023, Dvir Gallery, Paris

© Sebastiano Pellion di Persano

Provenance : 2023, Dvir Gallery, Paris

© Sebastiano Pellion di Persano

Provenance : 2023, Dvir Gallery, Paris

© Sebastiano Pellion di Persano

Provenance : 2023, Dvir Gallery, Paris

Une œuvre à la fois touchante et tragique où ce qui pourrait être l’acte ultime de destruction devient le seul moyen de résister. Cette vision d’horreur est aussi une vision de survie, un lieu de résistance, de complot. Dans cet ultime recoin de l’univers, la frontière s’efface entre humanité et animalité.

Triptyque

Dans sa série de photographies New York 911 (2001), Touhami Ennadre fixe la douleur indicible de la population new-yorkaise. L’artiste se rend sur le lieu même de la tragédie, le Ground Zero, peu de temps après les attentats pour entamer cette série. Dans la collection, un portrait rapproché capte le mutisme d’un homme, les yeux couverts d’un drapeau américain, la tête coiffée d’un chapeau de cow-boy. La mise en scène, le cadrage très serré, l’émergence du visage éclairé au cœur de ce noir charbon patiemment travaillé par Touhami Ennadre ainsi que l’absence de fond ou de contexte permettent à l’artiste d’établir une distance esthétique avec la violence de la tragédie.

Dans cette série présentée dès 2002, lors de la Documenta 11, les dispositifs techniques s’érigent en vecteurs d’une douleur partagée.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 126-127.

Provenance : Acquise auprès de la galerie Alain le Gaillard, en 2006.

Ville voisine de Manchester, et portée par la révolution industrielle du XIXᵉ siècle, Salford a longtemps été l’un des grands centres maritimes du nord de l’Angleterre. Au cœur de son âge d’or, elle se dote même de la première bibliothèque publique gratuite au monde. Mais, au début des années 1970, la crise industrielle vient bouleverser son destin. Surnommée “Dirty Old Town” (“vieille ville sale”), Salford est durement touchée par le chômage et la pauvreté. […] Dans sa photographie Salford (1972), Bryn Campbell s’éloigne du sujet photographié – un enfant jouant au ballon – pour l’inscrire au cœur d’un cadre plus large : un lotissement délabré, un paysage désolé, portant les stigmates des politiques menées sur le territoire et violemment vécues par les classes populaires du nord de l’Angleterre.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 160-161.

Provenance : Acquise auprès de la maison de vente Phillips Londres, en 2010.

Provenance : Acquise auprès de Laurence Miller Gallery, New York, en 2019.

Avec son installation Save Manhattan 01, Mounir Fatmi interroge l’impact des attentats du 11 septembre 2001, explorant “le bouleversement psychologique, social, intellectuel par le prisme de l’architecture“.

Il sélectionne plusieurs ouvrages littéraires, journalistiques, politiques, religieux, poétiques, publiés peu après les attentats pour reconstituer la skyline de Manhattan avant 2001, remplaçant singulièrement les Twin Towers par deux éditions du Coran. L’ombre projetée des ouvrages suffit pour reconnaître l’architecture de la ville, envisagée comme une référence culturelle ancrée dans les imaginaires collectifs. Cette distance, instaurée physiquement avec le drame, éloigne le spectateur du choc de l’émotion pour lui offrir un espace de réflexion où il peut appréhender l’impact du traumatisme et l’inscrire dans une perspective historique.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 128-129.

Provenance : Acquise auprès de Lombard-Freid Projects, en 2009.

Adrian Ghenie revisite le thème biblique traditionnel de la fuite de la Sainte Famille vers l’Égypte fuyant le Massacre des Innocents, tout en y injectant son propre langage pictural marqué par la distorsion et l’abstraction. Ses peintures sur ce sujet montrent des figures fragmentées et déformées, souvent floues, qui semblent se dissoudre dans des paysages oniriques ou cauchemardesques. Ce traitement visuel reflète à la fois la fragilité de l’existence et la nature traumatique de l’exil.

Provenance : Acquise auprès de maison de vente Sotheby’s Londres, en 2016.

« The History of the world is the world’s court of justice », 2012

« I destroy my enemies when I make them my friends », 2012

« Everything has been figured out, except how to live », 2012

« Heaven wheels above you, displaying to you her eternal glories, and still your eyes are on the ground », 2012

Ces dessins, aux titres plutôt évocateurs, sont tous liés à la représentation d’enfants ou de la jeunesse. Datant de 2012, ils coïncident avec le moment où l’artiste est devenu père. Ils évoquent l’impuissance des enfants face aux guerres et la responsabilité des adultes envers les mineurs. Ces dessins sont marqués par une croix rouge, symbole de protection, mentionnant la « technologie de dépolitisation du corps 2012-2045», qui fait référence à ce que Michel Foucault appelle la technologie de politisation du corps dans notre société. Ce dernier évoque les pratiques de contrôle des corps, leur utilisation dans l’économie d’une nation et comme symbole de punition, dont les crimes de l’holocauste en sont une des formes les plus extrêmes. Ces dessins de Markiewicz s’inscrivent dans un manifeste ayant pour vocation de libérer le corps humain de toute nation, de toute instrumentalisation, de tout système économique et de toute instance politique. C’est un manifeste qui devra symboliquement prendre fin en 2045, pour le 100^ème anniversaire de la fin de la Seconde Guerre mondiale.

Provenance de la série: Galerie Aeroplastics (Bruxelles).Acquisition en 2015.

Cette œuvre nous apparaît à première vue comme une toile lacérée, notre regard étant happé par le trou béant qu’elle présente en son centre. Mais à mieux y regarder, la finesse des dentelures dément ce procédé. Suivant leurs contours et voyant ainsi s’esquisser les continents européen et africain nous sommes confortés dans l’assimilation de celles-ci à des côtes. Jonathan Monk nous donne à voir un monde évidé dont les terres sont révélées par le négatif, mers et océans s’étant mués en étendues noires. L’impression d’implosion du monde est renforcée par sa disposition sur un fil, à la manière d’un linge. Cette installation ménage des replis, entravant ainsi la lisibilité de ce qui semblait être à l’origine un planisphère, en ôtant les frontières. Si l’artiste force le sentiment d’entropie en créant un déséquilibre des deux pans, il s’efface quelque peu, laissant la pesanteur de la matière s’exprimer, s’inspirant en cela dans son choix même : le feutre comme dans son traitement, des œuvres molles des artistes comme Robert Morris. Le relâchement du tissu donne alors naissance à un monde reconfiguré, somme de tous les continents, semblable à une carte en anamorphose.
The World Without The World in Blue rend bien compte de cette reconfiguration du monde, de ce retranchement des continents mais figure aussi, par ce déséquilibre des propositions, l’impression d’une soustraction plus importante créée par les replis.

Dans l’œuvre Tiroir (1988), l’artiste associe un tiroir rempli d’habits avec une photographie floue, un portrait juvénile très serré, surmonté et éclairé par une simple lampe. Cette installation évoque un autel ou un monument commémoratif qui rendrait hommage à une personne proche disparue et incarnant, par sa mise en scène, une représentation sacrée de l’être humain. Comme le souligne l’historienne de l’art Catherine Grenier, la pratique de Christian Boltanski est “obsédé[e] par l’idée de la perte et de la disparition¹“ ; le corps ne peut s’y manifester pleinement, l’artiste préférant souligner son absence.

¹ Catherine Grenier, Boltanski, Paris, Flammarion, 2011, p. 12.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris,
2026, pp. 140-141.

Provenance : Acquise auprès de la maison de vente Christie’s Paris, en 2014.

Tomoko Uemura in her bath reste l’une des premières photographies à avoir dénoncé les problèmes environnementaux au Japon, dévoilant les conséquences de la pollution au mercure dans la baie de Minamata sur la population. Chaleur et sécurité, maladie et souffrance construisent l’oeuvre dans une opposition bouleversante. La présence de la mère bienveillante, telle Marie soutenant le Christ mort, emplit l’oeuvre d’humilité, lui confère sacré et universalité.

Provenance : B&D Studio Contemporanea. Acquisition en 2007.

Dans les œuvres des frères Jake et Dinos Chapman, l’horreur est déjouée et subvertie par un processus de détournement cynique, caractéristique de leur pratique. Suivant ce processus créatif, ils conçoivent un baby-foot où s’opposent une équipe de clones d’Adolf Hitler et une équipe d’hommes déportés. Avec cette œuvre, Jake et Dinos Chapman soulignent non seulement l’absurdité de la guerre, mais aussi l’exploitation totale des corps, réduits à l’état d’objet, une matière première que l’on façonne, contrôle, exploite, avant de l’éliminer. Comme le formule l’universitaire Jonathan Harris, “si les Chapman figurent quelque chose dans
leurs œuvres, c’est la flexibilité de toutes les énergies humaines mobilisées comme matière première à des fins
étatiques, corporatives et capitalistes.”¹

¹ Jonathan Harris, “The future remains excluded:beyond the pleasure principle, ‘Slow-Motion Facism’ and the Chapman Brothers (and Sisters)“, dans Inside the Death Drive: Excess and Apocalypse in the World of the Chapman Brothers, Liverpool, Tate Liverpool/Liverpool University Press, 2010, p. 18

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 146-147.

Provenance : Acquise auprès de la maison de vente Phillips Londres, en 2012.

Au cœur de cette huile sur toile, Adrian Ghenie s’attaque picturalement à l’image d’Adolf Hitler.  Pour réaliser ses portraits, l’artiste s’inspire de photographies qu’il traite en “archives fantômes“¹. Comme le souligne Yannick Haenel dans son ouvrage Adrian Ghenie : Déchaîner la peinture, ce processus lui permet “d’octroyer la puissance inquiétante d’une hantise, de les condenser comme des illuminations maléfiques débordant les époques.“² Incarnation du mal, “archétype du diable“ selon Adrian Ghenie, la figure de Hitler ne se manifeste que partiellement dans la peinture, évoquant plus une présence éthérée qu’un corps concret, un individu. Menant une véritable entreprise de désacralisation de ces effigies, l’artiste roumain brouille les contours des corps, décompose ses formes dans les mouvements et les effets de matière. L’épaisseur de la peinture trouble la perception du visage représenté, agissant comme une attaque picturale et plastique, “seul attentat réussi contre Hitler“³ selon Yannick Haenel.

¹ Yannick Haenel, Déchaîner la peinture, Arles, Actes Sud, 2020, p. 67.

² Ibid.

³ Yannick Haenel, entretien avec Frédéric Maria, “Tout est à vif (Sur la peinture d’Adrian Ghenie)“, Switch on Paper, 18 février 2021.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 134-135.

Provenance : Acquise auprès de maison de vente Sotheby’s Londres, en 2016.

Provenance : Damien Voglaire, Bruxelles, 2024.

Provenance : Galerie Zlotowski, Paris, 2024.

Provenance : Bonhams, 2024.