XXH – Temps 1

Entre 1969 et 1973, Richard Avedon réalise des portraits de son père, Jacob Israel Avedon. Les photographies saisissantes de cet homme rongé par un cancer, dans les dernières années de sa vie, résonnent comme un memento mori. Sur le visage de son père, l’émotion saisie devient l’émotion de tout un peuple face à la fragilité de l’être.

Provenance : Christie’s Paris. Acquisition en 2010.

La série Xteriors (2001-2015) plonge le spectateur dans de sombres atmosphères silencieuses, des scènes hors du temps où le décor, les costumes, les postures, les sujets, mais aussi le cadrage et les effets de lumière convoquent la tradition picturale flamande. Grâce à un traitement numérique, l’artiste façonne des surfaces lisses, troublantes par leur perfection ; des images oscillant entre peinture et photographie, réalité et artifice, instaurant une distance presque sacrée avec les modèles photographiés.

Dans Xteriors VIII, Desiree Dolron met soigneusement en scène un enfant, allongé sur un lit, le corps christique, partiellement recouvert d’un linge blanc, entouré de femmes, une scène inspirée de l’imagerie des leçons d’anatomie, la plus notoire étant La Leçon d’anatomie du docteur Nicolaes Tulp, peinte par Rembrandt en 1632.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 28-29.

Provenance : Acquise auprès de la maison de vente Christie’s New York, en 2008.

Hunger (2008) présente l’image brouillée d’un homme — un soldat affamé — portant à sa bouche une portion de nourriture. Le geste est accompli avec une telle violence que son visage et son image semblent se dissoudre dans l’action même. L’élan qui l’anime, cette faim, pulsion de survie, excède les limites de son propre corps. Elle déborde jusqu’à devenir presque destructrice.

Provenance : Acquise auprès de maison de vente Sotheby’s Londres, en 2014.

Provenance : Sotheby’s New York. Acquisition en 2011.

L’Ange à la cloche d’Hervé Bohnert explore l’iconographie macabre et les liens qui unissent mort et vie, à travers la figure de l’ange de la mort sonnant le glas. L’artiste autodidacte récupère une sculpture en bois datant du XIXe siècle qu’il évide pour modeler un squelette, un memento mori. Pour Hervé Bohnert, la confrontation avec la mort devient une invitation à embrasser la vie. Ce paradoxe, qu’il aborde avec une ironie subtile et presque malicieuse, questionne notre relation à l’existence et à l’oubli.

[…]

Par son geste, Hervé Bohnert ne se limite pas à sculpter la matière ; il exhume et ressuscite des mémoires perdues, réanimant des traces du passé en apparence condamnées à la poussière.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 42-43.

Provenance : Acquise auprès de la galerie Ritsch-Fisch, Strasbourg, en 2021.

Dans From Winter to Spring, Nobuyoshi Araki capture la transition saisonnière au Japon, reflétant les changements dans la nature et dans la vie humaine. À travers 100 tirages monochromes, Nobuyoshi Araki offre une méditation visuelle sur le passage du temps, la fragilité de l’existence et la beauté éphémère de la nature. La série lui est inspirée par la poétesse Minori Miyata qui venait d’être amputée d’un sein à la suite d’un cancer. Pendant qu’il réalise sa série, Nobuyoshi Araki entretient un dialogue avec la poétesse, qui répond aux images du photographe par des poèmes, influençant à leur tour ce dernier. S’instaure ainsi un va-et-vient entre poésie et photographie, une dynamique d’inspiration réciproque offrant à la série une profondeur poétique.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 58-41.

Provenance : Acquise auprès de la maison de vente Phillips Londres, en 2011.

The Other Christ s’inscrit au sein de la série The interpretation of dreams. Il invite à chercher la lumière et l’espoir dans la noirceur, la force dans la différence en remettant en question la transmission des principes religieux. L’artiste pose la question de l’identité du Christ, dans une approche très narcissique où l’œuvre devient quasiment un autoportrait.

Dans Tokyo Comedy, Nobuyoshi Araki photographie une femme nue, figée, assise près d’une baignoire, le corps recouvert de cheveux coupés. Cette image prend place au cœur d’un roman photographique éponyme publié en 1997, où s’entremêlent paysages urbains, portraits, scènes de kinbaku – l’art du bondage japonais que pratique régulièrement l’artiste – nus et lézards.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 70-71.

Provenance : Acquise auprès de la maison de vente, Sotheby’s Londres, en 2010.

Ce tableau photographique de Gregory Crewdson est issu de la série Twilight. L’artiste y explore le sentiment de culpabilité à travers la mise en scène d’une jeune femme prostrée. Au cœur de la série, les personnages, souvent isolés, sont enfermés dans une profonde tristesse ou, comme dans cette photographie, dans une culpabilité accablante. Celle-ci semble peser sur la jeune femme, photographiée de dos et vêtue de sous-vêtements. Dans Twilight, les scènes se déroulent systématiquement au crépuscule, cette “heure magique“ qui instaure une tension entre le normal et le paranormal. La lumière, utilisée comme un véritable dispositif narratif, participe pleinement à la théâtralisation du quotidien, transformant celui-ci en quelque chose de mystérieux et suggestif.

Provenance : Acquise auprès de la maison de vente Phillips Londres, en 2010.

À la demande de Franco Basaglia, psychiatre italien, Raymond Depardon se rend en Italie pour photographier la réalité des asiles, dans un contexte de transformation des soins psychiatriques, marqué par le démantèlement progressif de nombreuses institutions dans les années 1970-1980.

Le photographe se rend d’abord à Trieste, puis découvre par hasard San Clemente, une île vénitienne abritant un ancien monastère transformé en asile. Dans cette institution, les médecins sont peu présents et les patients semblent évoluer librement dans la mesure permise par le contexte d’enfermement. En 1979, il revient dans l’institution psychiatrique à San Clemente avec Sophie Ristelhueber pour filmer les derniers instants du lieu avant sa fermeture.

Au cœur de ces portraits photographiés ou filmés, la liberté apparente des patients se heurte à l’angoisse de leur enfermement. Dans le portrait, le sujet photographié par Raymond Depardon cache sa tête et son corps dans la veste qu’il porte, tirant avec force sur chaque extrémité pour présenter un corps crispé, replié sur lui-même. Sa posture figure la réclusion et cette scission à la fois intérieure et extérieure de l’être isolé, exclu et invisibilisé par la société.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 56-57.

Provenance : Collection Buhl. Acquise auprès de la maison de vente Tajan Paris, en 2013.

Jean Rustin joue avec ses personnages, les associant à des titres emprunts d’humour. Encore une sale journée illustre l’envie refoulée. Une envie synonyme de vie, tant que notre cœur bat elle est présente, sous-jacente, même si la communication est parfois absente. Le couple nous regarde fixement, se questionne et malgré l’absence de mots nous interroge directement.

Provenance : De Vuyst. Acquisition en 2012.

Avec Eat, shit and die, Dash Snow associe argent, drogue, politique, terrorisme et convoque sur une même scène les plus grands interdits. L’artiste réunit les abus et les dérives de la religion, du pouvoir, de la société, de la perdition, questionnant tous les extrêmes qui composent l’humanité. Il nous invite dans un cycle infernal qu’il devient impossible de rompre.

 L’installation The History of Painting (2000) comprend quatre boîtes en verre contenant des tampons hygiéniques usagés, ainsi que deux cadres renfermant des tests de grossesse et une boîte de pilule du lendemain. Ces objets intimes, utilisés, collectés puis mis en scène, sont accompagnés d’une lettre manuscrite intitulée The History of Painting. Tracey Emin y décrit ses cycles menstruels, tentant d’en dresser l’inventaire avant de renoncer, jugeant l’entreprise trop complexe. Elle offre un récit précis de ce vécu intime et conclut : “Et toutes ces 23 années où j’ai saigné m’ont aidée à devenir qui je suis. Et il reste encore un long chemin à parcourir.“ Tracey Emin intègre son corps et ses fluides au cœur de son œuvre. Les tampons ont été modelés par le corps de l’artiste, et portent les traces de son sang menstruel.

L’installation s’inscrit dans un contexte biographique et artistique particulier : l’épreuve douloureuse de deux avortements au début des années 1990, suivie de l’abandon de la peinture par l’artiste pendant plus de dix ans.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 90-91.

Provenance : Acquise auprès de la maison de vente Christie’s Londres, en 2010.

En créant des assiettes creuses sans nourriture mais décorées de femmes anorexiques, Michaela Spiegel sait nous émouvoir sur ces images devenues références. Le poids de la Société est bien présent dans ses corps décharnés, ses cotes creusées, ses formes allégées. On nous fait croire que c’est de l’esthétique ; c’est juste un totalitarisme formel comme à chaque fois que l’on érige le beau comme seule quête. Avec le titre anno rex ie, qui signifie l’année du roi, l’artiste évoque également le poids de la société machiste dans la construction de la femme.

Provenance : School Gallery Paris. Acquisition en 2008.

« Après le bruit et la provocation, j’aspire au silence, à ramasser l’émotion dans une image étroite. C’est ce que je tente de faire par exemple, dans ma série « The keyhole » (trou de serrure), avec ces personnages qui nous offrent seulement leur nuque. Si je ne parle pas forcément de ma solitude, j’essaie de capter celle des autres. »

Provenance : Galerie Rabouan Moussion. Acquisition en 2012.

Diane Arbus illustre les tensions entre l’individu et le collectif dans sa célèbre photographie Child with a toy hand grenade in Central Park, N. Y.C., 1962. Cette image capte un moment de vie quotidienne, la crispation d’un enfant qui tient dans sa main droite un jouet en forme de grenade. L’image, à première vue anodine, prend rapidement un sens plus large. Ce portrait est souvent interprété comme un reflet des tensions politiques aux États-Unis, notamment de son rôle dans les conflits armés des années 1960 et 1970, devenant un symbole des fractures sociales et de l’agitation de cette époque¹. Sur la planche-contact, on découvre que la session complète avec le jeune garçon s’étend sur onze prises de vues, celle choisie par l’artiste étant la huitième de la série. Comme l’analyse avec justesse Deborah Nelson², l’enfant pose d’abord timidement, puis il commence à sourire et à interagir avec la photographe. Progressivement, il éprouve une exaspération, sans doute liée à la longueur de l’expérience, que la huitième prise de vue cristallise. C’est au cœur de son interaction avec Diane Arbus que l’enfant exprime cet état de crispation, peinant à maintenir son calme.

¹ Cette photographie a souvent été rapprochée du contexte de la guerre du Vietnam par des critiques, indépendamment d’une intention déclarée de l’artiste. Voir Metropolitan Museum of Art, notice en ligne de l’œuvre Child with a toy hand grenade in Central Park, N.Y.C., 1962.

² Deborah Nelson, “Diane Arbus: A Feeling for the Camera”, dans Tough Enough: Arbus, Arendt, Didion, McCarthy, Sontag, Weil, Chicago, University of Chicago Press, 2017, pp. 121-142.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 64-65.

Provenance : Buhl Collection. Acquise auprès de la maison de vente Sotheby’s New York, en 2011.

Malgré ses thèmes douloureux, Sofie Muller nous offre à voir une belle sculpture, maîtrisée, pure, linéaire, et sensuelle, en opposition à leur signification. Une sculpture subversive en somme dans laquelle esthétique et éthique ne sont pas forcément unies. De ses œuvres, l’artiste dévoile une émotion particulière qui nous submerge lorsque nous sommes face à elles. La sculpture combine à la fois la mélancolie, le doute, et une violence humaine exprimée par ce désir de changement d’état alors qu’ils se trouvent dans un espace limité et distancié mettant mal à l’aise le spectateur intrusif. L’artiste élabore un savant mélange entre une étude fine du corps humain et une étude socio-psychologique de notre société actuelle.

Provenance : Geukens & De Vil. Acquisition en 2007.

Dans Care, Alin Bozbiciu confronte le spectateur à une scène à la fois intime et ambiguë. Un plan rapproché montre une tête de dos sur laquelle une main vient se poser, suggérant à la fois la tendresse et l’emprise. La touche picturale de l’artiste, vive et mouvementée, brouille les contours des corps et accentue le sentiment de tension et de malaise. L’œuvre explore les frontières entre proximité et domination, douceur et oppression.

Provenance : Acquise auprès de la Galerie Suzanne Tarasieve, Paris, en 2023.

Dans Teenage Lust, recueil autopublié de photographies autobiographiques, Larry Clark documente sa vie et celle de ses proches, une existence marginalisée, parfois violente, souvent autodestructive, qui défie l’establishment et les valeurs portées par une Amérique blanche et conservatrice. Après Tulsa (1971) son premier recueil réalisé dans sa ville d’origine, Larry Clark se tourne vers cette jeunesse en rupture avec l’ordre social américain, suivant et documentant leurs excès en accordant une place centrale à leur sexualité.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 70-71.

Courtesy of the artist and Luhring Augustine, New York

Provenance : Acquise auprès de la maison de vente Christie’s Londres, en 2010.

Cette vidéo est la dernière d’une série de trois, elle relate le récit d’un homme enveloppé par la culpabilité, luttant pour faire face à son passé. Meiro Koizumi a travaillé de concert avec un véritable pilote Kamikaze, Mr Tadamasa Itazu. En 1945, celui-ci est volontaire pour devenir Kamikaze et défendre Okinawa. Il forge durant sa formation une amitié sans faille avec Mr Ashida. Au cours d’une mission, sur son trajet pour attaquer un navire américain, son avion rencontre un problème moteur et s’écrase sur l’île. Il survit à cette mission qui devait l’envoyer vers une mort certaine. Pour les pilotes Kamikaze survivre à une mission est un échec, mourir est un honneur ultime. Depuis ce jour, il vit avec un grand sentiment de culpabilité envers ses pairs morts avec succès dans la même mission, et en particulier Mr Ashida.

La Deposizione est une version moderne de la déposition du Christ montrant un homme nu reposant sur les “bras” d’un chariot élévateur. Cette oeuvre fait référence au scandale de l’amiante et au procès de l’ex-propriétaire du groupe suisse Eternit et d’un ancien actionnaire belge de cette même société, qui s’est tenu à Turin en 2009. Le “maxi procès Eternit“, comme il est appelé en Italie. Le plus grand procès jamais organisé sur le drame de l’amiante et le premier procès au pénal. Selon les associations de victimes, il rassemble plus de 6 000 parties civiles. Le Tribunal de Turin a demandé des peines très lourdes contre les ex-dirigeants du groupe avec la forte volonté de constituer un précèdent pour les procès de “crimes environnementaux“. L’amiante est responsable principalement de l’asbestose et du cancer du poumon, pathologies mortelles qui se déclarent entre 15 à 20 ans et 30 à 40 ans après la première exposition. Cette oeuvre représente le sacrifice physique et mental des ouvriers employés d’Eternit.

Provenance: B&D studio contemporanea (Milan). Acquisition en 2008.

Avec son tableau Portrait of woman with wounded blue eye (2011), toile du XIXe siècle sur laquelle il intervient par l’ajout d’un hématome autour de l’œil gauche de la jeune femme, Hans-Peter Feldmann détourne la candeur en brutalité, le banal en insupportable. Par son intervention picturale, l’artiste déplace et réactive l’œuvre d’origine, transformant totalement notre lecture du portrait. Cette blessure physique dramatise l’image tout en laissant planer un mystère sur le sens et la portée de cette violence.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 88-89.

Provenance : Acquise auprès de Galerie Micheline Szwajcer, en 2011.

Tim, 27 years old, Orange County, California, $30 (1990), s’inscrit au sein de la série Hustlers (terme familier qui désigne les personnes ambitieuses prêtes à tout pour gagner de l’argent et, dans un registre plus argotique, les femmes et les hommes prostitués). Philip-Lorca diCorcia photographie des travailleurs du sexe qu’il rencontre dans le Boystown, un quartier de West Hollywood à Los Angeles. Le photographe américain les paye pour qu’ils posent dans des scénarios qu’il imagine pour chacun d’eux. Le prix convenu entre le photographe et son modèle est rappelé dans le titre de l’image. Il correspond au tarif que la fille ou le garçon demande pour un rapport sexuel.

[…]

Le portrait de Tim traduit la dualité de l’existence de son modèle dont les conditions de vie difficiles et précaires, figurées par son corps amaigri et son jean déchiré, sont contrebalancées par son désir de survie suggéré par ses pas qui le conduisent vers l’extérieur, vers la promesse d’un avenir meilleur.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 92-93.

Provenance : Acquise auprès de la maison de vente Tajan Paris, en 2014.

Provenance : Acquise auprès de Kahmann Gallery, en 2019.

La photographie Loving Laughing, réalisée par Gérard Petrus Fieret, capte un moment de complicité familière entre le photographe et deux jeunes personnes en train de rire, un élan de joie et d’amour exalté. Sur le tirage, l’artiste signe de son nom et appose un tampon qui inscrit sa présence au cœur de l’image, un enregistrement de son passage qui agit comme une stratégie de vie mise en place pour défier et survivre à la mort. Pour Gérard Petrus Fieret, ce qui se joue dans ses images, c’est une “vie intense, de passion”, une “passion saine pour la vie”¹.

¹ Gérard Petrus Fieret, Le BAL Paper, Le BAL, Paris, 2016, PDF, p. 2.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 70-71.

Provenance : Acquise auprès de Kahmann Gallery, en 2019.

Provenance : Acquise auprès de Kahmann Gallery, en 2019.

Son œuvre Growling Female (1973) préserve l’empreinte d’un corps, celui d’une femme à quatre pattes, moulée par l’artiste. Bestiale et animale, cette figure semble avoir donné naissance, incarnant une puissance de vie intensifiée par la technique de l’artiste.

Comme le formule Otto Hahn dans “Fragments d’un portrait d’Adzak“, Roy Adzak “garde en vie des formes qui resteront au-delà de la vie“. Il ajoute qu’en “piégeant son propre présent“, l’artiste “constitue une documentation sur les formes transitoires qui, jour après jour, s’enfoncent dans le néant.“¹

¹Otto Hahn, “Fragments d’un portrait d’Adzak“, Images n°38, 1997, p. 14.

Fondation Francès, XXH, excès individuels et collectifs, 100 œuvres à vif et à vivre, catalogue exposition, Paris, 2026, pp. 80-81.

Provenance : Acquise auprès de la Galerie Loeve&Co, Paris, en 2023.